艾米莉·韋納

(資料圖片僅供參考)

Emily Weiner

1981年出生于布魯克林，在納什維爾生活和工作。艾米莉·韋納的畫作經常被放在定制的畫框中，具有豐富的象征意義和歷史典故。正如韋納在她的藝術家聲明中所描述的，“我的作品充斥著圖標、幾何圖形和各式材料主題，在時間的推移中得以重生、重塑、重新編碼。” 在再借鑒過去的同時，韋納也創造出屬于她自己的當代語匯，對各類美學路徑進行了積極的探索。

Palindrome, 2022

Emily Weiner"s exhibition, Phases, in shedspace

Emily Weiner專訪

Q：介紹下你自己

A：我叫艾米莉·韋納。我是一名畫家。我在布魯克林生活和工作。我想就是這樣，這通常是我的介紹。有時人們喜歡添加額外的東西，比如她是一名策展人，一位作家，但我一直在慢慢地將這些東西編輯為額外的描述詞，因為藝術家已經是一個涵蓋性的詞語了。

Mimetic, 2022

Q：你做什么樣的創作？

A：我主要創作繪畫。以及創作畫的外框，這仍然是作品本身的一部分。最近我一直在考慮為繪畫制作背景和壁紙。但這就是我所想的——繪畫的內部是什么，繪畫之外又是什么。

Ghost, 2022

Q：為什么選擇繪畫？

A：我不知道。我只是喜歡畫畫；這可能是真正的答案。它是如此的柔韌和美麗。對我來說，這太容易了。比如如果你的母語是英語，你為什么要用法語寫詩？也許是因為法語聽起來更好，但如果我說的話，它聽起來不會更好。繪畫是我的媒介，這是我真正學會訴說的方式。

但繪畫是如此深沉。赫爾佐格拍攝了一部關于肖維巖洞壁畫的電影，真是不可思議。壁畫只是一些色素；直接附著表面上的泥土和介質。真的，我們在做同樣的事情，盡管我并不是說我像那些畫家一樣有才華或與我的創作聯系在一起。

Saturnalia, 2022

我認為“繪畫已死”的心態是一種非常男權的、單一傳統的東西，我根本不贊成。我正在教一門藝術史課，叫做《1960年以來的當代繪畫》（Contemporary Painting Since 1960）。起初，這很難，因為有太多關于這部小的、目的論的、終結的繪畫史的學術研究——根據克萊門特·格林伯格（Clement Greenberg）的說法，這一切都在這個框架內。我才不在乎那些文章是不是說有15位20世紀的男性畫家扼殺了繪畫，尤其是現在，女性藝術家和有色人種才剛剛在21世紀的紐約大博物館舉辦個展。但現在有更多關于另類、酷兒和女權主義歷史的文獻講述了不同的故事。顯然，有些人仍然認同這樣的觀點，即繪畫不再能表達任何新的東西。但我認為這是一種片面的觀點，認為一種媒介——甚至一種思維方式——比另一種媒介更有效。但那是另外一個話題了……

Pierrot, 2022

Q：描述一下你的創作空間。

A：是我以前的臥室，很小。它有一扇窗戶，光線充足。我認為對我來說最重要的是要有白色的墻壁來營造一個純凈的空間。以及一個安靜的創作場所。

Signs, 2022

Q：你在什么樣的條件下創作最好？

A：早上或凌晨。晚上9點以后，我真的很糟糕，我什么都做不了。我可以繃畫布或做一些不那么令人興奮的事情。為了深入一幅畫，我需要在一天的早些時候開始，所以我會在早上喝完咖啡后來這里，連續創作四五個小時。

Orion, 2022

Q：你實踐中遵從某種規則嗎？

A：我通常離開家去喝咖啡，然后回來打掃工作室。即使只是組織。工作室不可避免地會從這種干凈狀態變成一片混亂，因為當我創作的時候，我會移動所有的東西，在壁櫥里尋找工具，挖出一些東西，混合顏料，在墻上擦拭顏料。到處都是碎畫布，我的寵物狗拖走了所有的砂紙。真是一團糟。打掃衛生和喝咖啡。你洗心革面，然后投身其中。

Mundus Inversus at Red Arrow Gallery, Nashville, TN, 2022

Installation. Pictured at front: Sara Mejia Kriendler, Heart of Earth (Corazón de Tierra), 2021; Back: paintings by Emily Weiner

Q：描述下你的創作過程。

A：讓你們看看筆記本是什么樣子就好了;通常都是一些小點子。通常情況下，這些想法不會一下子出現，我可能會以這些想法中的一個開始繪畫，然后加入另一個。總有一些不合理的原因，在我的腦海中，為什么這些元素存在于一幅畫中，但在其他人看來，它可能完全是隨機的，就像我隨機地搜索圖像，并以任何特定的順序將它們組合在一起。

egrand, 2022

從那里開始，第一步通常只是寫下顏色、漸變或圖案。通常是一種顏色。當開始一幅畫時，你是在為上面發生的事情設置舞臺和背景。第一步是制定計劃。這就像你啟動了某件事，所以你必須用另一個行動來解決它。通常會有第三個動作來解決這個問題。

Paradox, 2022

Q：你的作品是否反映了繪畫作為媒介的技術層面？

A：我想是的，因為我看了很多其他畫家的作品。我的一些畫看起來像是由不同的畫家創作的；技術上的東西是非常不同的。在一幅畫中，我可能會使用很多不同的主題或技巧，但我不會再過多地試圖指向某種繪畫風格。如果我有一個想法，我會拿起畫筆，用我認為應該表達的方式來表達。畫作的某些部分確實很有層次。有時我會用非常濕的筆觸來畫出一幅有趣的畫。有時我會用一把非常干的刷子在上面刷下來。

Constantine, 2022

在我的一幅畫上，有一些小標記，下面有錯視畫的陰影，這是對其他畫家的一種致敬。我在想利希滕斯坦是如何在20世紀60年代用最先進的技術來表現筆觸的。就像他想用抽象表現主義的筆觸把它變成柵格化的點。我想，我能做到!我只是在Photoshop里畫了一些涂鴉。所以我在思考繪畫史上的所有這些想法。它們嵌入在我的作品中，但它可能以一種完全不合理的方式表現出來。

Sappho, 2022

Q：畫框在你的創作中扮演什么角色？

A：這有點不尋常。我認為這與繪畫這種平面的、二維的、傳統的事物有關，而且在1960年以前，博物館總是用畫框展示繪畫。我在想，如果一幅畫不是畫的一部分，為什么要給它加上畫框呢?這是什么，設計元素嗎?我開始觀察以前畫家的浮框形式，并開始制作自己的外框。然后我開始在畫框上涂上顏料。我會用木頭做，然后像給畫布刷石膏一樣給它們刷石膏。然后當我在作畫時，或者當我完成繪畫時，我會把它繼續畫在畫框上。

Compass, 2022

最近我一直在做陶瓷外框，這是我與一位雕塑家合作的結果。我開始思考雕塑如何與建筑有如此多的關系，而不是創造表面或錯覺；你實際上在空間中創造了一些東西。我真的很喜歡手工雕塑可能達到的不同質量，但我覺得跳到雕塑中是超出了我的舒適區，而且會被強迫。我想我可以繼續以雕塑的方式研究畫框，所以我開始用陶瓷來感受用手建造的建筑可能是什么樣子。大多數畫面都比我想象的要精確。有些看起來很好，很直，然后有一個稍微彎曲，我有點喜歡。所以這就是畫框現在所處的位置，它們是繪畫的補充或延伸。

Emily Weiner工作室

Q：你的繪畫是如何與文化和歷史圖像相結合的?

A：我對阿比·瓦爾堡（Aby Warburg）很感興趣。他稱得上是一位藝術史學家不喜歡的藝術史學家。他有一個非常了不起的實踐。他有一個圖書館，他做了一個類似地圖集的東西，他把照片放在一起，比如朱迪思斬首霍羅孚涅斯的旁邊是一個揮舞高爾夫球桿的人。他所展示的各種圖像之間會有一種同步性。除了阿比·瓦爾堡說，“伙計們，看。這兩幅圖里發生的事情是一樣的!”我真的很喜歡。有時我會看著他們，覺得他們彼此毫無關系，但有時他們真的很棒。這就像卡爾·榮格（Carl Jung）和《紅書》（The Red Book），某種集體無意識，以及與意象的聯系，在文化和世代中循環。也許在我們的DNA中，有一些東西在圖像中石化了，我們會對它做出反應或聯系，就像一個頻率一樣。像圓形這樣簡單的事物也可以是一個承載的形狀。

Suit, 2020

Guitar, 2021

我在之前的展覽中所做的創作更多的是關于符號學和圖像學的想法。我的一幅畫《Mona》有一個像泥瓦匠金字塔一樣的三角形，這也像蒙娜麗莎的神圣幾何。三角形就像一個權力結構，它有三位一體。然后我畫了一系列的月亮，包括一幅叫《Phoebe》的畫。美國宇航局以土衛六女神的名字命名了太陽系中行星的大部分衛星，比如菲比。我真的很喜歡這樣的想法，即在我們當代社會的信仰體系中仍然存在這些古老宗教的痕跡。因此，我們仍然在看天堂，談論古希臘神話。另一幅畫《Sappho》是阿卜耶·沃爾堡（Aby Warburg）的致敬作品，其中有某種視覺雙關語——有些東西很靈動。文字來自我看到的詩人薩福的雕塑。它實際上是希臘原版的羅馬復制品。所以我挪用了那個字母，它與剛果紡織品背后的彩繪圖案相匹配。我還用金箔框架畫了這幅《Venus》的作品。我收集了很多雜志；我有幾本六十年代末的《花花公子》雜志。其中一張照片的中心是一位相貌平平的女性。起初，我想知道他們為什么選擇這張照片，但最終很清楚，這張照片之所以強大，只是因為她站在波提切利的維納斯身上。她的姿勢如此有力，以至于她成為1969年11月刊的中心人物。我撕下了這張照片，它在我的黑板上出現了一段時間。我決定畫這張照片，因為這是最經典的姿勢。

Nightbloomers, 2017

作為一個非常清楚圖像和象征主義在社會中的力量的藝術家，我想我甚至沒有意識到我受到圖像歷史的影響有多大。你怎么能控制所有這些在你意識中過濾的東西呢?至少在我的工作室里，我試著召喚他們的鬼魂，讓他們以某種方式表現出來，或者在直覺層面上對我說一些更有意義的話，而不是在話題和商業層面上。

創作中的Emily Weiner

Q：過程中最具挑戰性的部分是什么？哪些部分是最容易的？

A：最難的部分是找到一幅畫的內容。有一塊你一直在尋找的金塊，一個你一直在圍繞的核心。你可以用很多不同的方式來表達，但只有你知道什么時候是正確的。在繪畫中，我必須找到意象、色彩和形式的完美組合，這樣它才能恰到好處地圍繞著我一直試圖接近的中心點展開。正因為如此，有很多失敗的意象，也有很多被抹掉的東西。一幅畫從看起來像一個真正渲染得很好的羅馬半身像變成了畢加索式的人物，變成了小丑式的圖案;這是一種掩蓋每一步的地形;不停地旋轉，直到有什么東西出現在合適的位置。這是一種真正的掙扎，感覺就像你在與什么東西搏斗。但最簡單的是技術部分。一旦我知道該怎么做，事情就簡單了。我知道怎么去畫，有時我只是不知道該畫什么。

Paredolia, 2017

nheidur Gestsdottir, Column (Who Created the Timeline?), 2017

Q：你是怎么學會這些知識的?你有沒有老師或導師幫助你成為一名藝術家?

A：是的。我現在意識到，最糟糕的批評是對我最好的批評。我的老師是瑪麗蓮·敏特（Marilyn Minter），她第一次來我的工作室時，給了我很好的批評。她第二次來的時候，感覺就像她從來沒來過一樣，她告訴我，我需要學習如何畫畫。我在想，什么?你是什么意思?我現在就在畫畫!現在我意識到她說的是你不能剛開始畫畫的時候就像拿起吉他一樣立刻就彈；你必須練習，你必須知道媒介是如何運作的，并習慣它。她說得對，但當時我不知道她在說什么。我看過她關于這個觀點的演講；她展示了自己研究生時期的早期作品，稱其為糟糕的繪畫。她認為，無論某人現在向你展示什么，都是他們當時能做的最好的。但在變好之前都是壞的。學校里面的其他同學也是我最好的老師；我會走進他們的工作室，問他們是怎么做的。一位名叫Miyeon Lee的藝術家在很長一段時間里都是我放學后的室友。她曾在一個名叫加里·西蒙斯（Gary Simmons）的藝術家的工作室擔任助理，他曾在Metro Pictures畫廊展出。是她教會了我這些技術知識比如如何把畫布拉伸成這樣。其實就是談論創作，問別人，你能給我看看那個嗎?你能到我的工作室來嗎?我能看看你用的是什么嗎?等等。

Gallery view: "Fortune Tellers" at Kunsthall Grenland, Norway. November 12, 2022–January 15, 2023

Gallery view: "Fortune Tellers" at Kunsthall Grenland, Norway. November 12, 2022–January 15, 2023

Q：隨著時間的推移，你的實踐是如何演變的？

A：我肯定覺得我在技術方面起步晚了，因為在巴納德大學的本科生階段，沒有人教你如何畫畫，所以你必須自己解決。來到巴納德，談論藝術是如此鼓舞人心，但這并不一定是你在藝術學校聽到的。那些藝術學校的學生知道如何繪畫，他們最終厭倦了繪畫技巧。這幾乎就像我在繪畫的頭十年里非常興奮的東西，在藝術學校，他們一年級就學會了。無論是好是壞，我只是認為技術方面是我追求的一部分。我必須弄清楚。現在，技術方面的東西似乎一點也不令人畏懼；這是容易的部分。有時我試著不去畫漂亮的畫，因為我不想畫得太油滑。我不希望有些東西太過渲染或太過漂亮。

Emily Weiner工作室

Q：繪畫教會了你什么？

A：我認為不知道答案是一件非常好的事情。這總是讓我非常焦慮——不知道接下來會發生什么。但所有這些問題實際上都是你生活中的常態，而這些正是讓它在工作室中真正有趣的東西。你感到興奮的是這樣的問題：這會是什么？今天這幅畫會怎么樣？所以也許繪畫在某種程度上教會了我耐心。有些畫是一次性的，但大多數情況下，當你回顧一年的歷程時，你會發現一些好的。我想，如果你真的遵循這條線，它會回來的。會成功的

標簽： 艾米莉韋納 Emily Weiner｜將畫框作為繪畫的補充和延